Atril de honor: Esa-Pekka Salonen

Esa Pekka Salonen un director pero también compositor. De hecho, su pretensión era que sus obras fueran dirigidas por él, más bien porque él sabría darle, desde el podi,o la mejor interpretación más apropiada. Posiblemente, sea el director de orquesta que disponga, además, de un amplia obra propia.

Nacido en 1958, realizó sus estudios en la Sibelius Academy donde complementó estudios de composición, dirección y de interpretación de tromba(sí, de tromba ) .Con algunos de sus compañeros forma una ensemble llamada Toimi. En 1979 consiguió realizar su sueño de dirigir una orquesta, la Sinfónica de la Radio Inglesa. Poco después, en 1983 consiguió hacerse un hueco gracias a la indisposición del director titular. Entre 1985 y 1994 fue principal director invitado de la Philarmonia Orchestra, a la que dirigió posteriormente como director musical entre 2008 y 2021. A la par, también dirigió la Orquesta de la Radio Sueca entre 1984 y 1995. Es ahí donde surge la idea del Baltic Sea Festival en 2003, junto a Georgiev y Michael Tydén.

Así habla Zaratrustra(R. Strauss)

Su debut en Estados Unidos llegó a través de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles en 1984. Un lustro después ya sería contratado para, a partir de 1992, ser director musical, donde se mantuvo hasta 2009, siendo considerado como director laureado desde entonces. Durante esa década y media llevó a la orquesta ha sido bien valorada tanto en la ciudad californiana…como allá donde era invitada a actuar(Salzburgo, Lucerna, Londres,etc). El siguiente paso, fue la mencionada estancia en la Philarmonia Orchestra(2008-2021). En 2009 debutó en el Met con la obra de Janá?ek"Z mrtvého domu""(From the house of the dead") y, posteriormente, en 2016 con "Elektra" de Richard Strauss. En 2004 daba los primeros pasos, al igual que en Los Ángeles, con la Orquesta Sinfónica de San Francisco: primero director invitado, luego contratado como director musical a partir de la temporada 2020-21. También destaca su posición como compositor-in residence durante el período 2015-18 en la Filarmónica de Nueva York.

La mer(Debussy)

En su repertorio, como hemos indicado antes, forma parte unas obras especiales: las propias que el director ha ido componiendo. Por lo demás, también se ha dedicado especialmente a los compositores del siglo XX-XXI pero sin olvidar a los compositores más clásicos. Lo que sí se puede considerar espectacular e importante es su discografía(especialmente con Sony Classical y Deutsche Grammophon) y el trabajo realizado con cada una de las orquestas donde está para llevar a cabo alguna grabación digna de valor. En toda su obra destaca una obra llamativa, el Concert Étude, en el año 2000, porque es una obra con solo para tromba, su instrumento de infancia.

Concert Étude (Salonen)

Terminamos la entrada recomendando la profundización sobre el director de orquesta y el mejor modo es acudir a su página web oficial donde se podrá leer algo más sobre su carrera como director de orquesta y compositor. También queremos complementar con la entrevista al director finlandés(y que permite el visionado de subtitulado en inglés) o leer esta conversación realizada por PlateaMagazine.

Entrevista a Esa Pekka Salonen

Monólogo de Ibn-Hakia en "Iolanta"(Chaikovsky)

 Fue la última ópera compuesta por Chaikovsky, estrenada en 1892 y refleja, como si fuera una alegoría, lo que hubiera deseado el compositor para su existencia. Un periplo vital en la Rusia del siglo XIX para una persona que sufrió su condición afectiva de forma tormentosa y que quiso verse reflejado en la joven ciega. El compositor era homosexual pero, quizás por un entorno social duro, quiso engañarse con unas relaciones con mujeres que nunca llegaron a fructificar. Nunca supo cuál fue su sueño: desde “curarse” de ese afecto por los hombres (lo que le llevó a casarse con Desirée Artôt y, posteriormente, con Antonina Milliukova y que fueron enlaces desastrosos), o bien, desear que su situación no fuera tan mal vista.

 Iolanta, hija del Rey René y ciega de nacimiento es el personaje en el que Chaikovsky se vio reflejado. En ella trasladó sus deseos de que sus males tuviesen fin. Ella es ciega, su padre lucha entre querer curarla para poder ver y protegerla para que no sepa su problema. Sí, suena raro porque, por un lado, trae a un médico árabe para tratarla pero, cuando éste le indica que ella tiene que saber cuál es el problema para desear la curación, el Rey se niega. El azar y Vaudemont llevan a Iolanta a desear ver…con el disgusto del Rey porque ella sabe que no puede ver y la tranquilidad del médico que, en ese momento, ya le dice que la sanación es posible. Ese final feliz en el que ella está sanada y puede ver nos hace pensar en cómo compuso Chaikovsky esas últimas notas.

 Como indica la partitura, el término más adecuado es “monólogo” y tiene la particularidad principal del texto, profundo en el mensaje que transmite, en el que el doctor Ibn-Hakia trata de hacer ver al Rey René de la importancia del nexo de la luz espiritual y el cuerpo que se va percibiendo con el paso de la interpretación del bajo. Casi la puesta en escena es poco importante teniendo en cuenta que lo principal es que se perciba el mensaje del médico hacia el padre inquieto. En sí, ya el médico se ha dado cuenta de la actitud extraña del padre y se percibe en unas líneas duras en la que la voz del médico se ve enojado mientras le acompañan instrumentos de viento madera. En sí, el comienzo en verdad de esta brillante interpretación es a partir de Два мира(Dos mundos) en el que vamos a percibir todo un argumento rítmico de los instrumentos de cuerda y, como a medida que el médico va desplegando sus argumentos místicos de comunión de lo espiritual con el cuerpo, se van añadiendo más instrumentos a la interpretación(trombones, tubas y timbales aparte de los instrumentos de viento madera y metal que habían aportado, en cierto sentido, la melodía) aportando lo exótico del personaje.

 

-Ibn Hakia

Ты властен сделать все,
Но прежде дай мне сказать:
Решенью моему ты подчиниться можешь или нет,
Но я обязан дать тебе совет.

Два мира: плотский и духовный
Во всех явленьях бытия
Нами разлучены условно —
Как неразлучные друзья.
На свете нету впечатленья,
Что тело знало бы одно,
Как все в природе, чувство зренья
Не только в нем заключено.

И прежде, чем открыть для света
Мирские, смертные глаза,
Нам нужно, чтобы чувство это
Познать сумела и душа.

Когда появится сознанье
Великой истины в уме,
Тогда возможно, властитель мощный,
Да, тогда возможно, что желанье
Пробудит свет в телесной тьме.

Interpretación escena

Rodolfo y Mimì. Amor en tiempos de bohemia

El amor es, quizás, uno de los grandes referentes de la ópera. Un argumento que ha dado mucho juego ya que, de ahí, salen otros como la alegría de un amor correspondido, la desesperación si no lo es o, directamente, ese némesis que son los celos, que nos pueden llevar a acontecimientos desgarradores que sabemos en la ópera.

La bohème es la ópera donde el amor se siente desde el principio hasta el fin en todo su signicado. El final del primer acto desde el momento en el que la joven acude a la buhardilla donde habitan Rodolfo y Marcelo. Desde el primer momento, se percibe esa química entre Rodolfo y Mimì y que Puccini nos traslada en el modo en el que ambos se presentan(“Che gelida manina”, tenor;”Mi chiamano Mimì”, soprano) y que culmina en un final de primer acto I que podríamos indicar sublime con el “O soave fanciulla”, una melodía inolvidable.

O soave fanciulla

Los celos no existen como algo dañino pero hay una ligera mención que Rodolfo intenta salvar con ese “ all'uom felice sta il sospetto accanto”(al hombre feliz la sospecha siempre acecha). Curiosamente, ese sentimiento lo tiene Marcello respecto a Musetta, a pesar de darse de hombre libre no atado a ciertos convencionalismos. En el acto II, la misma noche del acto I, se muestra el amor de ambos jóvenes con gran alegría y se contrapone al de Musetta y Marcello a pesar de queéstos son los que ponen la “pimienta” del acto(el vals de Musetta, el amoroso o el fin del acto con todos los bohemios escapándose del Café Momus al son de música militar mientras dejan la cuenta a Alcindoro, el acompañante de Musetta cuando llegaron al café).

Ese amor deriva en desesperación para Mimì y Rodolfo, pero por diferente motivo y con Marcello de testigo. Ella le revela que Rodolfo está distante con ella; él le revela en principio que siente celos pero la realidad es más dura: quiere alejarla de él porque ella está enferma y él se siente responsable de su enfermedad.

Rodolfo y Marcello

Ella que lo está escuchando se da cuenta de su situación. Ambos deciden despedirse pero sin rencor, sabiendo que sus sentimientos verdaderos están ahí. Sin embargo, se dan cuenta que su amor es muy fuerte y el invierno es duro pasarlo solos. En este punto es cuando percibimos la diferencia entre ese amor puro (Rodolfo/Mimì) en contraposición con el tóxico(Marcello y Musetta). Puccini logra mezclar una música dulce de una pareja que se reconcilia y otra turbulenta cuando Marcelo y Musetta se pelean.

 Final acto III

Termina la ópera. Ellos echan de menos a Musetta y Mimì(“O Mimì tu più non torni”) en mientras trabajan. El acto cuarto es peculiar porque la aparición de Schaunard y Colline, amigos bohemios que acuden a la buhardilla, nos lleva a la alegría del acto primero...hasta que irrumpe Musetta indicando que Mimì está desfallecida subiendo las escaleras hasta la buhardilla. Ella se muere pero quiere hacerlo junto a Rodolfo. En ellos se percibe que aún hay amor a pesar que la primavera ya los había alejado. Este final nos deja muchos aspectos: Mussetta y Marcello se reencuentran, pero lo que se percibe en ellos es bondad ante Mimì cuando ella vende sus pendientes para un fármaco. Tampoco me olvido de Colline y su abrigo empeñado para conseguir ayuda para Mimì. Aunque el final de la ópera es amargo, el amor sigue latente, sobre todo cuando ellos se quedaron solos y Mimì recordaba su primer encuentro(acto I) .Sin duda, ese "Mimì" de desesperación de Rodolfo y las notas finales de la ópera dejan marca en el ánimo de las personas.

Final de la ópera